Articles by: Olivia Fincato

Il tempo avvolge ogni cosa, divorandola, proprio come fa la foresta cambogiana con tempio di Angkor Wat mentre le radici gigantesche ne stritolano la pietra arenaria.

Ed è proprio come fa anche l'artista Luisa Rabbia che, con i suoi alberi tentacolari, s'infila silenziosamente nel passato della collezionista d'arte Isabella Stewart Gardner (1840-1924) e lo connette al suo presente, in un affascinante e tortuoso viaggio nella vita. L'artista torinese durante il suo Artist-In-Residence all'omonimo Gardener Museum, noto centro d'arte contemporanea di Boston (la curatrice del programma è Pieranna Cavalchini  www.gardenermuseum.org), rimane colpita da un vecchio travel scrapbook di un viaggio compiuto da Isabella Stewart Gardner nella Cina del 1883.

Vecchie immagini di Shangai, Pechino, Hong Kong, Canton, Macao si alternano a note, appunti, emozioni. Fanno parte di un universo sconosciuto e lontano all'artista: «Non sono mai stata in Cina e questo diario in qualche modo ha influenzato il mio modo di immaginarla, quando non conosci una terra l'approccio è quasi sempre astratto».

Luisa parte dunque da questo prezioso archivio di vita e interviene con il suo di diario, facendo si che le immagini dell'antica Cina diventino scenario per i disegni collezionati negli ultimi anni di lavoro.

Travels with Isabella, Travel Scrapbooks 1883/2008, in visione fino al 28 settembre 2008,sono ventisei minuti di video che dispiegano il sottile, mai intrusivo, dialogo tra Isabella e Luisa, passato e presente, arte e vita, vita e morte. Un viaggio nel tempo dove labirinti di radici blu invadono antiche architetture asiatiche, dove prigionieri incontrano l'anima di corpi dipinti, dove cantori attendono il sorgere di un nuovo sole, dove la realtà cammina col sogno nel misterioso abisso dell'io. Un ritmo musicale, simile ad un carillon inaspettato e pungente, scandisce i nostri passi mentre le immagini ci scorrono davanti, orizzontalmente. Da destra a sinistra come se la vita ci passasse dinnanzi, ricca di mistero e bellezza.

La musica di Fa Ventilato, musicista svizzero trapiantato a New York,  dialoga con i due mondi, li collega, li scollega, li mescola in un rara composizione di suoni viscerali che appartengono al passato, poi al presente, lontani, inevitabilmente vicini. Un tappeto surreale e suggestivo di forme sonore che accompagna immagini e parole non dette. E il dialogo non si ferma al particolare dell'incontro femminile ma s'innalza all'universale, per parlare dell'ineluttabile percorso della vita, dalla nascita alla morte.

«Sono stata affascinata dalle immagini che Isabella Stewart Gardener ha scelto  di conservare, hanno tutte un peso sociale rilevante. Credo sia insolito per un'aristocratica che viaggia a fine ottocento collezionare foto di persone umili: ci sono lavoratori, contadini, prigionieri insieme a immagini dell'architettura cinese del tempo e dei paesaggi. Per questo motivo mi sono avvicinata, soprattutto per la sua sensibilità verso alcuni tipi di realtà».

«Questo lavoro è un viaggio nel mezzo della vita, dove in qualche modo i giorni si susseguono, tra il sorgere e il calare del sole, e forse fa parte di un viaggio ancora più grande che inizia con la nascita e finisce con la morte. C'è un collegamento con la memoria, sia sua che mia, ma io riporto tutto al presente, nell'evolversi della vita tra momenti di gioia e altri di dolore».

«Il video non è cronologico infatti: ho lasciato che le fotografie si scegliessero da sole tra di loro, si uniscono per toni o forme. Ho provato a vedere se funzionava e scoprivo armonie tra le immagini delle montagne, del deserto, del lago. Il paesaggio emerge in maniera naturale e magica, mi ha permesso di avere del materiale di cui io stessa sono sorpresa. È un po' come il rapporto che abbiamo con la memoria. Se ricordiamo delle situazioni o emozioni è perché abbiamo scritto qualche data o abbiamo fatto proprio un oggetto. Tuttavia questo serve solo ad aggrapparci a quel momento, poi quando ritrovi gli oggetti o ti rileggi dopo anni la temporalità si trasfigura, si mescola col presente».

«È come disegnare, solo che anziché farlo su carta o computer, guardo l'immagine che ho davanti, poi prendo le mie immagini e le combino. È l'ispirazione di quel momento, nulla di più, difficile da spiegare. Viene e basta.

Ci sono le immagini e c'è il tuo momento, il tuo umore, stato d'animo. Io combino le mie immagini con le sue istintivamente, questo è il mio unico modo di lavorare. Posso avere un'idea, una struttura, ma poi vado ad istinto, lascio che le cose crescano naturalmente».

«No, non è la prima volta. Ho fatto altri video in passato ma mai di questa lunghezza e complessità. Ho deciso di fare tutto da sola, all'inizio avevo pensato di contattare qualche esperto di programmi video, ma non è il mio modo di lavorare. Mi piace che il lavoro cresca con il tempo, come una pianta che germina e non sai dove vada a finire.

Tutto in questo video parte dalla carta, è il mio scrapbook dentro al suo, sono immagini che io ho collezionato nel corso degli anni, sono tutti materiali che fanno parte della mia poetica e hanno una loro ragione di vivere nel suo diario».

Ci sono radici che invadono silenziosamente le immagini del diario del viaggio in Cina, quale il loro significato e in generale la simbologia dell'albero nel tuo lavoro.

«Le radici congiungono passato e presente, la mia memoria con la sua. L'albero per me è il simbolo del passare del tempo, lo raccoglie dentro di se con gli anelli delle sue venature e fuori di se cambiando con le stagioni. Gli alberi sembrano ergersi da soli indipendenti da tutto: nonostante tempeste e intemperie loro non cadono, stanno in piedi, in equilibrio. Per me rappresentano l'essere umano, la sua volontà di andare avanti prescindendo da tutto. Le radici sotterranee poi connettono l'albero a tutti gli altri alberi, si è indipendenti quindi solo fuori, sotto siamo collegati a tutto il resto, a tutti gli altri esseri.

«Non faccio mai riferimento all'essere donna o uomo nel mio lavoro, infatti non metto quasi mai i sessi, le figure avvolte dai panni, ad esempio, non hanno una sessualità esplicita non si capisce se siano donne o uomini.

Però c'è una cosa che mi ha colpito e che mi sono portata dentro:  lei aveva un figlio che all'età di 3-4 anni è morto. Isabella ha sofferto di un'enorme depressione per questa perdita ed è questo il motivo per cui ha iniziato a viaggiare. Penso che se nell'opera avviene il dialogo tra due donne è in relazione al corpo femminile, alla procreazione, alla generazione di vita: nei miei lavori se ci sono corpi sono femminili è perché sono ciclici.

Ma non ho cercato un dialogo tra me e lei esclusivo: è un viaggio nella vita. È un racconto aperto che parla dell'esperienza umana in modo universale.

«Fa ha lavorato nello stesso modo in cui io ho lavorato con le immagini. Come io ho lavorato con il mio diario, lui l'ha fatto con il suo, scritto di suoni. Anche lui si è fatto ispirare dalla collezione di musica di Isabella Stewart Gardner: il viaggio inizia con Schubert, Viaggio d'Inverno, e termina con Beethoven, The Moonlight, poi ci sono altri tipi di suoni come l'antico violino cinese. Fa raccoglie, smembra, rielabora, ricombina, è come se sciogliesse le immagini tra di loro in un collage sonoro».

Durante l'opening ho incontrato due signori cinesi, erano forse al di fuori del mondo dell'arte e mi hanno posto domande molto semplici finendo col chiedermi perché i visi delle persone ritratte nelle foto erano tutti tristi. Sicuramente non erano in posa».

«Penso che sia tipico del mio lavoro e poi Isabella era una donna di una sensibilità particolare. Più che malinconia nel suo personaggio vedo molto amore, collezionava arte con il cuore: da Tiziano al piccolo artista di Boston».

Il 25 settembre 2008 Memory and Invention and Personal Travel Scrapbooks conversazione tra Alan Chong, curatore della collezione e Pieranna Cavalchini, curatrice del dipartimento di Arte Contemporanea seguita dal lancio del libro  di Luisa Rabbia, Travels with Isabella, Charta Books, 2008.

Una volta si diceva che la fotografia rubasse l’anima alle cose e alle persone. Roberto De Paolis ci ruba l’anima e poi la restituisce al mondo.

Mercoledì prossimo, 27 Febbraio, alla Casa Italiana Zerilli Marimò della New York University inaugurerà la sua personale LIGHT ROOM (mostra curata da Raffaellla Guidobono) e grazie a una raccolta densa di lavori potremo condividere con il giovane fotografo romano l’affascinante immaginario. Sono immagini enigmatiche, contemplative dove soggetti eterei si sdoppiano, sospesi all’interno di una stanza, affacciati ad una finestra. Roberto De Paolis li ritrae, cogliendo l’impalpabile e l’inafferrabile e proiettandolo in visioni interiori che incantano, sublimando fisicità e corpo. Una sottile contemplazione aleggia tra il fotografo e il soggetto dell’opera. Silenziosamente le parti scambiano emozioni nascoste e dall’abisso dei pensieri qualcosa si libera e s’imprime leggero nella pellicola.

Lascio aperto l’otturatore della macchina fotografia per un tempo lungo, 60 secondi.

Il soggetto è li, davanti all’obiettivo. Poi si muove, non aspetta lo scatto. Questo fa si che rimanga solo una traccia della sua prima posizione e di quella assunta successivamente.

Tutto il resto della stanza è impresso nitidamente nella pellicola. Il soggetto invece si sdoppia assumendo le sembianze di un fantasma.


Il risultato è una successione di eventi nello stesso spazio e nello stesso fotogramma. Il soggetto diventa evanescente, in stato di mutazione, in bilico tra l’essere e il non essere fissato nella pellicola. Ciò che rimane è l’aurea di un gesto, un movimento, un’emozione.

E quando chiedo all’artista di spiegarmi come sceglie il soggetto della sua ricerca e che tipo di scambio-confronto emotivo cerca di instaurare lui mi risponde:


Più che scegliere un soggetto, spesso le situazioni si creano da sole. Magari sono a cena con un mio amico e parlando viene fuori qualcosa che riguarda la sua vita, un passaggio, uno stato mentale, qualcosa che in questo momento lo tocca o lo preoccupa e allora lavorando con le associazioni mentali viene fuori un immagine che rappresenta quel momento, quella cosa che avevamo individuato essere interessante. Il giorno dopo vado in studio e faccio la foto. Mi capita anche spesso di sognare le fotografie che farò, o il soggetto che fotograferò. Ci sono mille situazioni in cui nasce una fotografia. Ma la cosa più importante è la persona e quello che prova. Se c’è una persona che si apre e mi racconta veramente qualcosa della sua vita (e se io riesco ad ascoltare) viene sempre fuori una bellissima fotografia


E alla trasparenza dell’immagine Roberto De Paolis ne aggiunge un’altra. Stampa i ritratti fotografici su plexiglas trasparente creando in questo mondo un ulteriore livello di trasparenza. E questo vedere attraverso rivela aspetti inusuali del soggetto cogliendolo nella sua essenza. Un’alternanza di presenze e assenze, vuoti e pieni che avvolge lo spettatore in un immaginario misterioso, intimo che quasi intimorisce. E a questa mia osservazione l’artista aggiunge:

L’interpretazione della mia opera è ogni volta molto libera e soggettiva. Ognuno ha la capacità di vedere cose diverse. In fondo credo che l’interesse nell’arte nasca anche dal bisogno di ognuno di proiettare le cose della propria vita nell’opera stessa. Tutta l’industria del cinema si muove intorno al fatto che gli esseri umani hanno bisogno di identificarsi e di proiettare i propri sentimenti sullo schermo. A volte un’opera può non piacere perché spaventa e una può piacere perché rassicura, ma quanto ha a che vedere questo con il valore in sé dell’opera?


E l’opera di Roberto de Paolis acquista valore non soltanto per la dimensione intima e psicologia che riesce a trasmettere ma anche perché porta il delicato spazio interiore all’esterno, affacciandolo letteralmente alla finestra. In LIGHT BUILDING Roberto De Paolis installa i plexiglas sulle finestre del Palazzo Sora, sede dell’Istituto Scolastico Carlo Cattaneo. Ed è come se dalla facciata del palazzo ci fossero alcune persone idealmente affacciate sulla strada. Le foto sono retroilluminate dall’interno di ogni classe e interagiscono direttamente con la struttura architettonica ricoprendo la duplice valenza di fruizione pubblica e di rivalutazione di un luogo abbandonato o chiuso, come la scuola durante il periodo estivo.

Ho chiesto a Roberto cosa prova quando porta fuori e rende pubblico qualcosa che vive dentro come nel caso di LIGHT BUILDING:

Credo sia semplicemente la naturale conclusione del lavoro, il suo habitat finale. In ogni artista c’è la volontà di esporre una propria visione interna, nel mio caso credo che la connessione tra visione (creativa) interna e visione (pubblica) esterna sia estrema, nel senso che la prima prova a mettere in luce delle parti dell’io nascoste attingendo ad un immaginario privato, mentre la seconda è, alle finestre dei palazzi, una dimensione che rende le fotografie estremamente esposte e pubbliche


E il fatto di installare le fotografie alle finestre, ritrarre i suoi soggetti alla finestra è un motivo ricorrente nell’opera di Roberto De Paolis.


Per me le finestre sono importantissime, non solo nel lavoro, ma anche nella vita. È un’attrazione che potrebbe essere nata quando ero piccolo, ma non so. Tutti i quadri e tutte le fotografie e anche il cinema, in realtà, sono delle finestre. L’arte è appesa al muro, in fondo, è una finestra. Le finestre aprono all’osservazione di una realtà esterna (che forse si desidera?), i quadri, le foto e il cinema aprono alla trasfigurazione personale della realtà.


A Casa Zerilli Marimò potremo osservare una selezione fatta dal fotografo degli ultimi due anni di lavoro, le opere saranno installate nelle finestre e porte finestre interne o rivolte al cortile. Tra queste ci sarà Autoritratto, immagine significativa e simbolica del percorso dell’artista (scelta anche per l’invito alla mostra).

In un materasso poggiato a terra c’è Roberto assorto in se stesso, prima disteso e poi poggiato al muro.

L’autoritratto che verrà esposto nella mostra di Casa Zerilli Marimò fa parte di una serie. Penso che nell’autoritratto venga fuori la parte più spiritosa e autoironica del lavoro. L’altro giorno ho fatto una foto a me stesso che fotografava un altro me stesso che si era stufato di essere fotografato. Purtroppo non ho fatto in tempo a portarla a New York però è stato divertente scoprire come ci fosse, in effetti, una parte che forse non ha più voglia di fare foto, o di essere il soggetto degli autoritratti e che sembra annoiato e distante dalla dinamica-foto

Credo che l’autoritratto sia un modo di sdrammatizzare e prendersi un po’ in giro. Il primo autoritratto che ho fatto ritraeva un bicicletta e una spavalda parte di me che la guidava, mentre dietro c’era un me impaurito che impuntava i piedi a terra e non voleva andare, impaurito dal concetto di movimento e di spostamento.


(Pubblicato su Oggi7 il 24/2/2008)